(SUMMER RESIDENCY PROGRAM 2026-2027)
EN
Again, Otherwise: Sound, Image, and Motion
Nothing returns exactly as it was.
A sound is recorded, played back, and recorded again; an object is taken apart and given another form; a tradition passes from one person to another, carrying both what has been kept and what has been lost along the way. Repetition leaves a strange kind of evidence. The second version contains the first, but never completely.
Again, Otherwise moves through salvaged materials, inherited stories, cultural memory, recorded sounds, familiar images, and performed identities, things already marked by having existed elsewhere. A recording drifts from its source. Materials remember former lives.Traditions gather new meanings as they travel. A painting makes room for a conversation that never happened. Religious imagery returns altered, carrying something of its original form and something that does not belong to it.
To reconstruct is to work without a clean beginning. Fragments, leftovers, memories, objects, sounds, images, bodies, and stories arrive with their histories already attached. They can be preserved, distorted, repeated, interrupted, or made unfamiliar. Nothing is quite restored, and nothing is entirely discarded. Again, Otherwise stays with that instability, the point at which recognition begins to give way, where something familiar no longer settles into its original meaning.
What remains is not the original thing, but its afterlife: carried forward, changed by contact, and returned in another form.
Text by Joe Espada and Isabelle Mills.
FR
Encore, Autrement : Son, Image et Mouvement
Rien ne revient exactement tel qu'il était.
Un son est enregistré, rejoué, puis enregistré à nouveau; un objet est démonté pour prendre une autre forme; une tradition se transmet d'une personne à l'autre, emportant avec elle ce qui a été conservé et puis ce qui s'est perdu en chemin. La répétition laisse une trace unique. La seconde version contient la première, mais jamais tout à fait.
Encore, Autrement bouge entre des matériaux qui ont été récupérés, des histoires héritées, des mémoires culturelles, des sons enregistrés, des images familières et des identités mises en scène — des éléments déjà marqués par le fait d'avoir existé ailleurs.Un enregistrement s'éloigne de sa source. Les matériaux gardent la mémoire de leur vie précédente. Les traditions changent de signification entre les fils de transmission. Une peinture ouvre la porte à une conversation qui n'a jamais eu lieu. L'imagerie religieuse revient altérée, conservant une partie de sa forme originelle tout en intégrant un élément qui lui est étranger.
Reconstruire, c'est travailler sans avoir un début concret pour pouvoir commencer. Fragments, restes, souvenirs, objets, sons, images, corps et des histoires arrivent avec leur propre histoire attachée. Ils peuvent être préservés, déformés, répétés, interrompus ou rendus inconnus. Rien n'est tout à fait restauré, mais rien n'est non plus entièrement rejeté. Encore, Autrement tient cette instabilité: ce moment où la reconnaissance commence à passer, où ce qui est familier ne se laisse se définir dans son premier sens.
Ce qui subsiste n'est pas l'objet d’origine, mais sa transformation: une présence prolongée, transformée par le contact et restituée sous une autre forme.
Texte par Joe Espada et Isabelle Mills.
EXHIBITION: AUG 31 - SEPT 13, 2026
OPENING RECEPTION: SEPT 10
ARTIST TALK: SEPT 11
GROUP
URA
MIKI MITSUI HOTZ
SOMIA SHARIF
MADISON MELDRUM
JOSEPHINE CAMPBELL LASHUK
JOSHUA AUGUSTO
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EN
Materials remember.
They hold the pressure of hands, the repetition of work, the traces of use, the violence of extraction, and the intimacy of care. They change through contact and retain gestures and erasures. This exhibition brings together artists who pay close attention to these details, treating materials not simply as things to be worked with, but as carriers of histories and encounters.
Here, surfaces become records: a tablecloth holds gestures of hospitality, while paper and silk bring together the intertwined labour of plants, insects, and humans. Language becomes material in its own way, moving through intimacy and the complicated experience of inhabiting a particular life. Metal, ceramic, textile, and image register the rhythms of industrial labour, transformation, and use, while graphite drawings turn sites of oil extraction and settler pageantry into intimate relics.
Rather than separating nature from technology, object from image, or material from meaning, these works linger in the spaces where they overlap.
So what remains after contact?
Sometimes it is a stain.
A worn edge.
A mark in graphite.
A change in texture.
A fragment.
A residue.
These traces are not simply leftovers. They are where histories remain visible, quietly embedded in the things around us. It asks us to look at materials not as passive surfaces, but as things that hold, register, and sometimes reveal what has passed through them.
Text by Joe Espada and Isabelle Mills.
FR
Les matériaux se souviennent.
Ils conservent la pression des mains, la répétition du travail, les traces de l’usage, la violence de l’extraction et l’intimité du soin. Ils se transforment au contact et gardent l’empreinte des gestes comme celle des effacements. Cette exposition réunit des artistes qui sont attentifs à ces détails; ils traitent les matériaux non simplement comme des éléments à travailler, mais comme des vecteurs d'histoires et de rencontres.
Ici, les surfaces deviennent des archives: une nappe porte en elle les gestes de l’hospitalité, tandis que le papier et la soie conjuguent le travail entremêlé des plantes, des insectes et des humains. Le langage devient lui aussi une matière, traversant l’intimité et l’expérience complexe d’habiter une vie. Le métal, la céramique, le textile et l’image enregistrent les rythmes du travail industriel, de la transformation et de l’usage, alors que des dessins au graphite métamorphosent des sites d’extraction pétrolière et des mises en scène coloniales en vestiges intimes.
Plutôt que de séparer la nature de la technologie, l’objet de l’image ou la matière du sens, ces œuvres s’attardent dans les espaces où ils se chevauchent.
Que reste-t-il, alors, après le contact?
Parfois, c’est une tâche.
Un bord usé.
Une marque de graphite.
Un changement de texture.
Un fragment.
Un résidu.
Ces traces ne sont pas de simples restes. Elles sont le lieu où les histoires demeurent visibles, discrètement inscrites dans les choses qui nous entourent. Elles nous invitent à considérer les matériaux non comme des surfaces passives, mais comme des éléments qui retiennent, enregistrent et parfois révèlent ce qui les a traversés.
Texte par Joe Espada et Isabelle Mills.
EXHIBITION: SEPT 2026
OPENING RECEPTION: SEPT
GROUP
GEMMA ELSE
VIVA EGOYAN-ROKEBY
JULIANA
MUFFY BOODE
ALEXIS RIVERIN
LISA ARNEUDTS
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EN
Come in.
There are places we leave without really leaving: a house after everyone has moved out, a room remembered differently by every person who lived in it, a photograph of someone you never knew, an object that has travelled farther than you have, a story told so many times that it no longer belongs entirely to the person who first told it.
To be Held In Place can mean so many things. It can be an anchor, a comfort, a kind of belonging. It can also be a way of being unable to move on. The works here sit somewhere between these possibilities. They hold onto fragments without pretending they can restore what is gone; A house remains, even when home has changed. An archive survives, even when parts of the story are missing. An object travels, carrying traces of a life we may never fully know. A memory stays with us, even as it changes each time we return to it. Perhaps we are all held in place by certain things, places, people, objects, memories, and perhaps we also spend much of our lives trying to understand what to keep, what to let go of, and what can change without disappearing altogether.
Take your time.
Notice what you hold onto, and what you allow to slip away. Think about the places, objects, and memories that have held you in place. What remains when you finally move on?
FR
Entrez.
Il y a des lieux que l’on quitte sans vraiment partir: une maison dont tous les occupants sont déjà partis, une pièce dont le souvenir diffère de ceux qui l’ont habitée, la photo d’une personne qu’on n’a jamais connue, un objet ayant voyagé plus loin que soi, une histoire racontée tant de fois qu’elle n’appartient plus à la personne qui l'a initialement dite.
Être tenu en place peut signifier bien des choses. Cela peut représenter une ancre, un réconfort, une forme d’appartenance. Cela peut aussi signifier l’incapacité de tourner la page. Les œuvres présentées se situent entre ces possibilités. Elles retiennent des fragments sans prétendre pouvoir restituer ce qui a disparu; une maison demeure, même lorsque le foyer a changé. Une archive survit, même s’il manque des parties de l’histoire. Un objet voyagent, porte des traces d’une vie que nous ne connaîtrons peut-être jamais pleinement. Un souvenir reste en nous, tout en se transformant à chaque fois que nous y revenons. Peut-être nous-sommes tous retenus sur place par certaines choses, lieux, personnes, objets ou souvenirs. Peut-être nous-passons aussi une grande partie de notre vie à chercher ce qu’il faut garder et se qui faut laisser aller?
Prenez votre temps.
Observez ce que vous retenez et ce que vous laissez s’échapper. Songez aux lieux, aux objets et aux souvenirs qui vous ont retenu sur place. Que reste-t-il lorsque, finalement, vous passez à autre chose?
Texte par Joe Espada et Isabelle Mills.
EXHIBITION: OCT 2026
OPENING RECEPTION: OCT
GROUP
EMIE
HD CHEVALIER
NASTARAN
OLIVIA
ZIYUANG
She/Her
Utsuroi (transition, ephemerality, change)
Oil on wood canvas, colour pencils on bisque terra cotta
Dimensions varies
2026
Utsuroi explores the relationship between memory, place, and impermanence. It considers how certain places can become inseparable from what has been experienced there, while remaining subject to change, distance, and loss.
Fragments of ceramic suggest traces of something once whole, while gold edges introduce a tension between fracture and preservation. Coloured pencil marks sit directly on the bisque surfaces, creating images that are inherently fragile and temporary.
The central painting extends this sense of uncertainty through layers of oil and exposed wood, allowing the surface itself to become part of the work. Together, these materials create a space where memory is not fixed, but fragmented, shifting, and incomplete.
The work reflects on the desire to hold onto what cannot remain unchanged, and on the quiet distance that develops between a place, a memory, and the present.
Emie Hamanaka-Delisle is a Japanese Canadian artist whose practice focuses primarily on painting and drawing. Through her work, she explores themes of identity, cultural heritage, and belonging, particularly through the experience of navigating a mixed background. Her practice is rooted in an interest in what came before her, family histories, memories, and cultural fragments passed down through generations, and how they continue to shape the present. She reflects on the idea of home as something complex and evolving, shaped not only by a physical place but also by inherited experiences, and connections to multiple cultures. Through her work, she explores the spaces between belonging and displacement, questioning how identity is formed through both what is remembered and what is lost.
Olivia Steer
She/Her
6689
Multi-Media Illustration Installation
Pyrography, fabric paint, ballpoint pen,
2025-2026
Named after my previous apartment, 6689 Rue St. Denis, 6689 is a multi-media installation and a direct evocation of my bedroom thrusted into a public space. I have always wanted my artwork to be more physically embedded in my day-to-day. I have completed so many pieces will never see the light of day; some are confined, shoved under a bed or buried beneath hundreds of pages. In an effort to mingle the extravagance of my work with the mundanity of the day-today, this mingling began with my bedframe—something I at bare minimum see twice a day, or stare at in lost moments.. Humans spend roughly 1/3 of their lives in bed. Beds are conception sites, and also spots that cradle the dead and dying. 6689 was an exercise of weaving illustrations into my environment. Similar to the way illustration fills a page, a bedroom amasses layers of memories over time, moments of comfort, rest, intimacy, and renewal, but also moments of illness, grief, and loneliness. Thousands of layered experiences inspired me to gradually saturate my surroundings with drawings. Illustrating my decor wasn’t intentional at first. It has assembled itself, from one piece of furniture to another and one drawing to the next.
Olivia Steer is a Toronto-based multi-disciplinary artist completing her BFA at Concordia University with a specialization in Scenography. Prior to that, she attended the Claude Watson Arts Program at Earl Haig Secondary School.
Drawing has been at the core of her creative practice since childhood, and illustration has been the thread running through her disciplines. She also has experience in costume design, painting, and installation. Her illustrative work explores themes of femininity, memory, and the emotional resonance of mundane, everyday spaces.
EN
Congregation
All weary, fuddled and parched; we half-beasts, brutes and critters flock to the spotlit well. Children, parents, siblings and blood beyond, gather, gather, circle the sacred reservoir, guzzle its assets and revitalize stale flesh.
Ignite, from the now arid surface (bottom licked clean), a beacon to summon the tardy. Frolic around the bonfire. Worship our collective presence and struggles. Worship your horns and fangs, your too-many appendages, and other bulging anomalies. Revere, the path that led you to the warmth, the sustenance, and roaring passions. Observe your essence, now luminous, seeping out from every pore as it bubbles up into the sky; like an aurora cutting through the void, and the imprints of your kindred’s silhouettes on the memory. Neglect no detail.
Mass merged and in rhythm: congregation well spent.
Text by Loup Gauvin-Dufresne and Rowan Draper.
FR
Congregation
Tous las, hébétés et assoiffés ; nous, demi-bêtes, brutes et bestioles, affluons vers le puits sous les spotlights. Enfants, parents, fratrie et liens de sang, rassemblez-vous, entourez le réservoir sacré, engloutissez ses ressources et revitalisez la chair défraîchie.
Allumez, sur la surface désormais aride (fond léché à blanc), un phare pour appeler les retardataires. Gambadez autour du feu de joie. Vénérez notre présence collective et nos épreuves. Vénérez vos cornes et vos crocs, vos appendices en surnombre et autres anomalies protubérantes. Révérez le chemin qui vous a menés à la chaleur, à la subsistance et aux passions rugissantes. Observez votre essence, désormais lumineuse, suinter par chaque pore et monter en bouillonnant vers le ciel, telle une aurore fendant le vide, ainsi que les empreintes des silhouettes de vos semblables dans la mémoire. Ne négligez aucun détail.
Masse fusionnée, en cadence: une congrégation employée à bon escient.
Texte par Loup Gauvin-Dufresne et Rowan Draper.
EXHIBITION: OCT 19 - 31, 2026
OPENING RECEPTION: OCT 29
GROUP
LOUP GAUVIN-DUFRESNE
ROWAN DRAPER
he/him
- Blubbering Vamoose, acrylic on canvas, 134 x 118.5 cm., 2026.
- Chimera, ink and pencil on paper, acrylic on plaster, 34 x 35 cm., 2026.
- Maxillae-Emf, ink, pencil and oil pastel on paper, acrylic and spray paint on plaster, 38 x 33 cm., 2025.
- In the Graveyard of a Shattered Brain, single-channel video (colour, 4:3, 4:58 min), 2026, Additional credits: Omar Attia (soundtrack) & Alix Gravel (narration).
- Cosmos Garden, single-channel video (colour, silent, 4:3, 1:05 min), 3-D printed PLA, polyester putty, spray paint, 20 x 24 x 3 cm., 2026.
- Soapsud Lathergrime, ink and pencil on paper, plaster and acrylic on plaster, 30.5 x 25.5 cm., 2025.
- Paragorgia (Dislocated), ink and oil pastel on paper, 22 x 27.5 cm., 2026.
- Bulwark, acrylic on canvas, 171 x 76 cm., 2026.
- Tinkertoy’s Laced, ink, pencil and oil pastel on paper, 30.5 x 22.9 cm., 2025.
- Gargantua, oil on canvas, 101.5 x 76 cm., 2025.
- Pumping Rock-hard Wretched God, photocopy on paper, 16 pages, 12.5 x 10 cm., 2026
he/him
EN
Rowan Draper is a multidisciplinary artist based in Tiohtià:ke/Montréal, raised in the Laurentians. While each medium brings out different themes, his practice is held together by a shared explosive energy. His static work (drawing and painting) explores negative emotional states, particularly anger, guided by the surrealist technique of psychic automatism. By allowing unconscious, intuitive movements to shape the work, these emotions transform into something unexpectedly vivid, colourful, and absurd, echoing the language of children’s comics and cartoons. His video work turns to pattern and repetition: mundane movements are distorted through various digital processes to amplify their hypnotic qualities and underlying vitality, producing abstract, dancing landscapes.
FR
Rowan Draper est un artiste multidisciplinaire établi à Tiohtià:ke/Montréal, qui a grandi dans les Laurentides. Si chaque médium fait ressortir des thèmes différents, sa pratique demeure unie par une énergie explosive commune. Son travail statique (dessin et peinture) explore les états émotionnels négatifs, en particulier la colère, guidé par la technique surréaliste de l'automatisme psychique. En laissant des gestes inconscients et intuitifs façonner l'œuvre, ces émotions se transforment en quelque chose d'inattendu, de vif, de coloré et d'absurde, qui rappelle le langage des bandes dessinées et des dessins animés pour enfants. Son travail vidéo se tourne vers le motif et la répétition : des mouvements banals sont déformés par divers procédés numériques afin d'amplifier leur pouvoir hypnotique et leur vitalité sous-jacente, donnant naissance à des paysages abstraits et dansants.
Loup Gauvin-Dufresne
he/him
EN
Loup Gauvin-Dufresne, originally from Kamouraska, uses painting as a form of meditation. Figuration is often the starting point, while abstraction becomes the destination. like a fading memory, an intention losing its meaning, or an idea slowly scattering.
Growing up along the St. Lawrence River fosters a contemplative way of life. Amid the bustle of the city, these moments of calm, channeled through the brush, bring Loup back to a time when slowness was worth its weight in gold.
FR
Loup Gauvin-Dufresne, originaire du Kamouraska, utilise la peinture comme un moment de méditation. La figuration est bien souvent le point de départ, tandis que l’abstraction devient la ligne d’arrivée. Comme un souvenir qui s’estompe, une intention qui perd son sens ou une idée qui s’éparpille.
Grandir au gré du fleuve invite à un certain mode de vie contemplatif. Dans le brouhaha de la ville, ces moments de calme, canalisés par ses pinceaux, ramènent Loup à cette période de sa vie où la lenteur valait de l’or.
he/him
- Transformation animal, huile sur toile, 2026.
- Instinct animal, huile sur toile, 2026.
- Les indifférents, huile et crayon sur toile, 2026.
- Auto portrait, huile et crayon sur toile, 2026.
- regards I, huile et crayon sur toile, 2026.
- regards II, huile et crayon sur toile, 2026.
- regards III, huile et crayon sur toile, 2026.
-
pour maman et papa, crayon sur envers de toile, 2026
- L’enfer c’est nous autres, huile et crayon sur toile, 2026
EN
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Texte par Vishnu Premadas et Isabelle Mills
EXHIBITION:
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FANNY MALLETTE
JOYS SEKPON
CECILY VAUGHN
RACHEL EARLE
FERNANDO
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(2026-2027 UNDERGRADUATE STUDENTS EXHIBITION)
EXHIBITION:
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